Dream Theater - Train of Thought

El sueño de lo imposible


As I Am

Not under your command,
I know where I stand
I won't change to fit your plan,
take me as I am

Cuando uno escucha hablar sobre Dream Theater (DT), en realidad uno escucha su trascendencia, que no han oído (probablemente) algo más complicado en su vida. Como si se tratase de un hecho sin precedentes, de unos músicos que no son de este planeta, tiempo o realidad aparente. Y es que sucede que, el que habla de DT lo hace porque sabe lo que significa y se puede proyectar hablando del tema al ser un fanático instantáneo más. Como yo.

Al principio uno lo escucha por curioso. Uno escucha el nombre de la banda en uno de los rincones de la ciudad como algo "nuevo" (más de 20 años tocando) descubriendo que se trata de uno de los secretos de la industria mejor guardados. Así, teniendo en las manos la capacidad, el poder de apreciar la perfección musical uno inicia el primer viaje estratosférico. Aquella perfección que se buscaba alcanzar tantas veces en el pasado, un caso asincrónico como el de DT es capaz de proporcionártela en el presente desde hace ya un tiempo. Al final uno se da cuenta que no era un caso fortuito que hayas terminado escuchándolo, sino más bien una revelación de la realidad creativa y cruda al ser imposible de alcanzar creando un nuevo quiebre de posibles paradigmas planteados en el ámbito musical: lo que pensabas que era difícil hacerlo tendrá que ser nuevamente planteado, multiplicando la misma ecuación por algún exponente.
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Básicamente, DT se compone por entidades perfeccionadas en destruir en sus instrumentos asignados. Desde el inicio, el grupo constó con Mike Portnoy en la batería, John Myung en el bajo y John Petrucci en la guitarra, los tres eminencias en la música. Se conocieron en Berklee y formaron su primer proyecto: 'Majesty', nombrado así tras Portnoy mencionar que la canción 'Bastile Day' (Caress of Steel) de Rush tenía un final majestuoso (majestic). Sin embargo, aquel nombre le pertenecía a una banda de Las Vegas, la cual los demandó. Es en ese momento donde deciden cambiarlo necesariamente, primero a "Glasser", el cual sería rechazado por los fans. Paradójicamente el padre de Portnoy sería el encargado de proponerles el nombre actual, siendo luego la inspiración para escribir 'Honor Thy Father', una canción de odio.

'Train of Thought' es el séptimo álbum de estudio de DT y es conocido por su sonido agresivo. De hecho, fue el disco que delimitó la naturaleza del grupo, dando un resultado no tan progresivo clásico como los trabajos anteriores sino más pesado, reclutando de esta forma a un mayor público de heavy metal. Comienza 'As I Am' en silencio con el sonido final de su anterior disco, 'Six Degrees of Inner Turbulance', acreciendo de manera radioactiva hasta culminar con un poderoso tapping en el bajo para dar inicio a la canción, el disco y al viaje. Una descarga total que no parará de remecer hasta el final. Sin duda una obra maestra.
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La canción 'Stream of Consciousness' es la canción instrumental más larga de DT, sin contar proyectos alternos como los de 'Liquid Tension Experiment'.
En 'Honor Thy Father' se puede escuchar algunas líneas de la película Magnolia.
Las esposas de Portnoy, Myung y Petrucci conformaban una banda llamada 'Meanstreak'.

Foo Fighters - The Colour And The Shape

El proyecto Grohl



Everlong

The only thing I'll ever ask of you
You've got to promise not to stop when I say when
She sang

Durante las giras de Nirvana, su baterista con una guitarra se puso a componer canciones. Sin embargo, aquellas creaciones no serían enfocadas para el grupo. Tras la muerte de Kurt Cobain, el grupo automáticamente se disolvió dejando a la intemperie al resto de integrantes con un hambre impotente. Muchos grandes artistas reservaron vacantes para ambos, bajista (Krist Novoselic) y baterista, incluyendo un ofrecimiento permanente para el asiento de la batería de 'Tom Petty and The Heartbreakers'. No obstante, contra todo pronóstico un ya veterano Dave Grohl declinó cualquier propuesta para grabar 12 de sus más de 40 composiciones que había guardado en secreto.

Se suponía que estaba enlazado a tocar batería toda su vida, quizás hasta enlistándose en cualquier otra banda para continuar su destino. Pero nadie, ni siquiera él, sabría que lo que le esperaba era forjar otro gran capítulo dentro de la historia del rock.

Comenzó con un demo grabado íntegramente por él (todos los instrumentos y voces excepto por una guitarra en la canción 'X-Static') dentro del anonimato bajo el título del enemigo desconocido de los aliados (se referían así a los Ovnis en la segunda guerra mundial): 'Foo Fighters'. La grabación tendría un serio rebote dentro de la industria. Es en ese momento donde Grohl decide crear una banda fija (inicialmente habría reclutado a Novoselic pero habría generado demasiada controversia por lo que ambos rechazaron la idea) incorporando a Pat Smear con quien ya había tocado antes desde Nirvana (segunda guitarra). Un primer disco homónimo saldría al mes con las grabaciones de Grohl y marcaría el comienzo de la era Foo Fighters hasta lo que conocemos hoy en día.
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El segundo álbum de Foo Fighters, 'The Colour And The Shape' sería el primer disco grabado como banda propiamente. El disco se compone de un rock mucho más digerible a comparación del sonido con el que terminó saliendo Grohl de Nirvana en base a 'In Utero' (último disco de estudio) que era mucho más alternativo y ruidoso. Ahora si bien no pierde el feeling alternativo con ejemplos claros como en el comienzo de 'My Poor Brain', sus canciones son mucho más estructuradas y poseen peso por si solas teniendo singles tan conocidos como: 'Monkey Wrench', 'Everlong', 'My Hero' y 'Walking After You'.

'Everlong' es una de las canciones más aclamadas del grupo a lo largo de su historia y se proclama como el hit más conocido del disco. La escribió Grohl en el descanso del inicio del trabajo de estudio para grabar el álbum. Según los rumores, su letra se basa en una carta de amor, un manual de instrucciones (la única fuente confirmada hasta ahora por Grohl) y la historia del padre de un técnico de estudio. El videoclip se centra en una pareja, Grohl y Hawkins (quien hace de mujer), que vive en una cabaña aislada en el bosque, influencia de la película 'The Evil Dead' (horror y comedia negra) de 1981, que es atacada por dos sujetos dentro de sus sueños. Una joya de videoclip dirigida por Michel Gondry ('Eternal Sunshine of the Spotless Mind').
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En inglés norteamericano la palabra "color" se escribe tal cual; sin embargo, decidieron poner "Colour" en 'The Colour And The Shape' en homenaje a su productor, quien era británico.

The Mars Volta - De-Loused in the Comatorium

Coma progresivo



Televators

Auto-da-fé
A capillary hint of red
Everyone knows the last toes are
Always the coldest to go

Desde el comienzo, la carátula te advierte que el álbum que estas a punto de oír va a ser uno de los discos más rayados y alucinantes que vas a escuchar en tu vida.
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'De-Loused in the Comatorium' nos narra la historia de Cerpin Taxt a lo largo de una hora (exacta) en un álbum sobrecargado de agonía e intensidad. Cerpin, en un intento de suicidio tras haber ingerido morfina y veneno para ratas termina inconsciente durante 7 días. Es en este transcurso donde viaja a través de sus sueños (pesadillas diría yo) en el mundo del "Comatorium" (estado de coma) y se enfrenta contra sus demonios. Al termino de la semana, dicho personaje recobraría la conciencia para darse cuenta que el mundo sigue y seguirá siendo igual de insatisfactorio, así que se tira de un puente.

El viaje dentro del comatoso empieza con 'Son et Lumiere' con una intro ascendente y distorisonada que te encausa perfectamente a 'Intertiatic ESP' (el primer single del disco sería la unión de estos dos: 'Son et Lumiere/Intertiatic ESP') donde nuestro personaje afirma que esta perdido. Lo que seguiría se trasladaría a la lucha con el lado oscuro de su mente en una especie de impotencia y asfixia en 'Roulette Dares (The Haunt Of)' donde las letras no permiten que salga del flujo de su conciencia. 'Tira Me Las Arañas', de minuto y medio, da un perfecto preámbulo a 'Drunkship of Lanterns', que mezcla sonidos latinos con funk, jazz y hard rock para llegar al climax de la aflicción y la desesperación con extractos líricos tan surreales como "lash of one thousand eyebrows clicking" hostigando la tranquilidad de hasta el que escucha. Después 'Eriatarka' se encargaría de teletransportar a Cerpin a la locura, llevándolo a un espacio donde no existe sentido alguno de realidad, ésto es en su más profundo subconsciente. 'Cicatriz ESP', la canción más extensa del disco sobrepasando los 12 minutos, revuela el poder rítmico del rock progresivo con cambios de intervalos suspendidos en el tiempo y una eventual explosión sonora que conlleva a la siguiente pista.

Comienza 'This Apparatus Must Be Unearthed' con una espera de venganza de Cerpin capaz de reivindicar su nombre pasando por una letra de reclamo y terminando en un final ruidoso y caótico, como si fuese un grito en silencio. Precisamente de aquel silencio es que nace 'Televators', la balada y canción más reflexiva del repertorio con un Cedric Bixler-Zavala (vocalista) excelente en interpretación capaz de reformar su propia voz hasta un punto casi andrógino. En esta canción Cerpin, ya consciente, ha pasado años en el mundo real tratando de decirle a sus amigos y familiares que se iría. Los deseos de regresar al Comatorium lo invaden y es en ese momento que sede a la desesperación y va hasta un puente a matarse en público ("auto da fé"). Todo acabaría con 'Take the Veil Cerpin Taxt'. "Take the veil" se refiere, en inglés, a cuando las monjas hacen un compromiso con Dios. En el caso de Cerpin, éste cumple su compromiso al tirarse del puente (take the dive) para así regresar al Comatorium. Sin embargo, al final él se cuestiona quién lo habría llevado a ese horrible lugar ya que su memoria, la del mundo real, habría sido borrada al matarse.
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La historia de Cerpin Taxt fue basada en la muerte del artista y amigo de Cedric, Julio Venegas, quien estuvo en coma por años y cuando despertó terminó suicidándose tras tirarse de un puente en El Paso.
Las letras del disco son extremadamente difíciles de descifrar con más de 400 líneas y un peso e interpretación fascinante.
En el disco participan Flea y John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), el primero con el bajo en 9 de 10 canciones y el segundo en una segunda guitarra en 'Cicatriz ESP' donde su voz puede oírse repetidamente, aunque estos coros no aparecen acreditados.
"ESP" es una abreviación de 'Ectopic Shapeshifting Penance-propulsión', frase creada por la banda.

Santana - Abraxas

Deidad y demonio latino



Black Magic Woman

Don't mess around with your tricks;
Don't turn your back on me, baby,
'cause you might just wake up my magic sticks.

Abraxas. Una palabra tan simple pero con un peso significativo demasiado arrollador. En realidad se trata de una derivación de la palabra Abrasax (ΑΒΡΑΣΑΞ), una palabra llena de mística que se usaba en la secta gnóstica Basilediana para nombrar a un ser supremo, al dios que ellos amaban. Se creía que Abraxas era el nombre de un dios que representaba el bien y el mal a la misma vez. Se trataba entonces de una deidad y un demonio. Una criatura que sería capaz de gobernar los 365 cielos a los que se refieren una innumerable cantidad de creaciones y poderes de los estados del mundo superior (upper world) de dicha cultura porque en él está contenido el número 365 (sumados los numeros denotados en las letras griegas de su nombre: Α = 1, Β = 2, Ρ = 100, Α = 1, Σ = 200, Α = 1, Ξ = 60). El símbolo de éste peculiar personaje aparece en diversos libros, uno de ellos 'Demian', de Hermann Hesse. En ese libro, una línea le revelaría a Carlos Santana el título de su segundo álbum. Solo un demonio igual de poderoso podría ser capaz de invocar a una deidad tan catatónica como la representación de aquel personaje, para así generar el balance perfecto: Abraxas.

Con el considerable éxito que marcó Woodstock en 1969 uno a uno se fueron consagrando en aquella época cada uno de sus partícipes y mortales artistas. Pero sin duda uno de los pocos que hasta ahora son inmortales son los integrantes de Santana. No solamente porque persisten con el mismo espíritu de siempre sino porque fueron capaces de convencer a un público incrédulo con la mezcla de sonidos latinos juntando al rock, el jazz, el blues y la salsa en la época más alucinógena de la historia. Los ingredientes fueron la base de un éxito inmesurable que incluye: la entrada al salón de la fama del rock y la adquisición de 8 grammys y 3 grammys latinos.

Es que Santana siempre ha estado invicto y se ha logrado ganar la gloria con una enorme cantidad de discos multiplatino incluyendo un 'Supernatural' ('Smooth'; 'Corazón Espinado'; 'Maria Maria') de 15 discos platino solo en Estados Unidos. Pero en realidad si se trata del disco más épico de su historia tendría que ser el Abraxas por su sonido único capaz de hipnotizarte con quizás una diosa, buena o mala (no importa), que seduce a todos los que se cruzan en su camino para siempre, incluyendo a un ingenuo oyente como yo.
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'Black Magic Woman' en realidad es un cover de Peter Green cuando estaba con los 'Fleetwood Mac' en 1968.

Collective Soul - Youth

El alma colectiva



Better Now

Oh I'm happy as Christmas
All wrapped to be seen
I'm your recent acquisition
Time to celebrate me

Cuando decidí bajarme algunos discos de Collective Soul tras tener singles sueltos y desordenados en el iTunes (cosa que me nerva) la verdad me encontraba algo indiferente. Comenzó como una cuestión de orden y de a ver qué pasa, de qué tal es. Lo que descubriría tras escuchar las primeras tajadas de lo que sería una ilimitada descarga del grupo se convertiría en algo vital para mí.

Casualmente este disco fue el primero que me bajé completo, los resultados fueron increíbles. No soy mucho de escuchar un género entre rock y pop, el cual claramente representa a Csoul (Collective Soul); sin embargo, sus canciones están muy bien hechas, no saturan (sobre todo siendo pop), son pegajosas y tienen peso. Tienen singles muy resonados como 'December' y el famoso 'Shine', canción con la cual debutaron en el mainstream y se hicieron famosos hasta llegar a convertirse en artistas multiplatino. Desde ese momento ya tienen más de 20 años de carrera y siguen, imparables, con un fiel público.

He leído algunos comentarios sobre fanáticos en relación a este disco en particular y las respuestas son muy afectivas y ciertas. Por ejemplo que, al escuchar el disco completo, unas ganas efervescentes de viajar surgen dentro de cualquiera. Sobre todo con la canción 'Better Now' (la que más me gusta), uno ya se ve en la autopista con las lunas bajas, a toda velocidad y la canción a todo volumen. En otro caso uno pone que, no mucho después de la salida del disco un amigo suyo murió y que 'Satellite' se convirtió en una canción muy emotiva en ese momento y le ayudó bastante. Esto refleja lo personal que se puede llegar a convertir una banda, como Csoul, en sus canciones. Que cuando uno ama la música que hace, no solo se refleja en sí mismo, sino en su público, incluyéndome.
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Ed Roland, guitarrista de la banda habría estudiado en Berklee guitarra y composición.

Queen - Sheer Heart Attack

La Reina de mercurio



Stone Cold Crazy

Walking down the street
Shooting people that I meet
With my rubber tommy water gun

Elegir uno de los tantos buenos discos de Queen se convirtió en una gran indecisión y frustración tras la ingenua idea de "querer postear algo de Queen". Después de analizar minuciosamente sus mejores discos con canciones tanto conocidas como otras totalmente opuestas pero aún buenísimas y hasta mejores, uno se percata que se convierte en un tema imposible de tomar con ligereza y se da cuenta que ha menospreciado la influencia de un grupo de tal calibre. Si uno piensa que Queen se trata solo de Freddie Mercury, y unas cuantas canciones que nos retumban la radio diariamente hasta saciar, entonces simplemente no valora lo que escucha. El significado de la muerte de Mercury conllevando la defunción precipitada de lo que significaba Queen para aquella época (actualmente el grupo persiste junto a Paul Rodgers como vocalista) creó un legado latente hasta el día de hoy, un legado que permanecerá entre nosotros hasta el fin de la música o de la humanidad, que es lo mismo.

Terminé optando por 'Sheer Heart Attack' porque es un disco que muestra a los integrantes íntegros frente a un futuro desborde mediático que más adelante colapsaría. Antes de hímnos como 'We Will Rock You' o 'We Are The Champions' y de toda la discografía que marcó la etapa de Queen con los megaconciertos más increíbles del Reino Unido y del mundo, este disco hace su primer llamado a la inmortalidad. No es coincidencia encontrar una canción llamada 'In the Lap of the Gods' en el repertorio. Se trata pues del antes y el después de lo que marcaría su destino, su continua ascendencia hasta llegar a lo que llamaría yo una gloria incandescente, eterna y el respeto de todos los géneros del rock. Sería así, el primer mordisco del éxito comercial y más adelante, del paraíso.

En cuanto a influencia, con tan solo decir que el concierto tributo a Freddie Mercury que se dió en el 'Wembley Stadium' (estadio también conocido por ser sede de los mejores conciertos de Inglaterra, donde obviamente también tocó Queen) tras su muerte no solo congregó un abastecedor "sold-out" con más de 72 mil personas en menos de 4 horas sin mencionar que tocarían artistas invitados de la talla de Metallica, Elton John, Guns N' Roses, Def Leppard, Extreme, George Michael, David Bowie, U2 (el cual tocó vía satélite desde California) y hasta el mismo Robert Plant, entre muchos otros; sino también porque marcó un récord Guinness conviriténdose en el concierto de una estrella de rock más grande de caridad (para el SIDA).
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Brian May, guitarrista de la banda y considerado como uno de los mejores del rock en la historia, también es conocido por ser un prestigioso astrofísico. Otro dato curioso es que él mismo creó su primera guitarra llamada "Red Special" cuando era niño junto a su padre. Con ella tocó más de 30 años en estudios de grabación y hasta en vivo junto a Queen.
Kurt Cobain nombraría a Freddie Mercury en la nota que escribiría antes de morir, refiriéndose a Mercury como lo que él no habría podido llegar a ser como frontman en el sentido de tener una reciprocidad de tal magnitud con el público en respuesta a una de las justificaciones de su suicidio: el peso de la fama.

Yes - The Yes Album

Sí, es progresivo



Starship Trooper

Loneliness is a pow'r that we possess to give or take away forever.
All I know can be shown by your acceptance of the fact there shown before you.

Sí, tengo muchas ganas de escribir sobre esta gran banda, pero la verdad es que lo que se conoce de Yes es poco. Lo único que las personas que conforman la media común de la sociedad conocen del grupo es probablemente su canción 'Owner of a Lonely Heart' que yo, personalmente, he llegado a detestar, no porque la canción sea mala, sino porque se ha llegado a saturar tanto que ahora se asocia con un pop ochentero, con un sonido sobrecargado de efectos innecesarios llenos de sintetizadores, parecido a canciones de bandas que usaban demasiado laca. Pero, la verdad es que Yes es mucho más que un estereotipo. Lo que representa para los sobrevivientes que aprecian su música es el virtuosismo innato con una carrera de más de 40 años. Si no se sabe mucho de ellos es sinceramente porque su música es la encargada de hablar por ellos. No se necesita más que eso.

Son una de las primeras bandas conocidas de rock progresivo, un género muchas veces anticomercial, pero que para muchos significa todo. La razón: las canciones se proyectan sin ninguna regla ni patrón determinado, terminando con canciones de largos minutos o con un ritmo musical muy variable en ciertas ocasiones. En el caso de 'The Yes Album', todavía no significaría la derivación del ser con canciones épicas de más de 20 minutos, sin embargo es uno de los discos de rock progresivo más recordado para los que adoran el género. Y, de hecho, está en infinidad de listas como parte del top.

El formato del disco, relativamente corto, ayudaría a presentar un trabajo más variado, capaz de mostrar movimientos fluídos con temas únicos. Esto sucede con 'Starship Trooper', una canción básica en cada concierto que han tenido y tienen que se divide en 3 segmentos: 'Life Seeker', 'Disillusion' y 'Wurm' que es una pieza instrumental. Lo mismo sucede con 'I've Seen All Good People''. Esta última es mi favorita porque se presenta la genialidad muy sutilmente con una canción muy emotiva elaborando un sonido ascendente en 'Your Move' con un intro a capella para desembocar en 'All Good People'.
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Este disco fue el primero en el que el actual guitarrista, Steve Howe tocaría con Yes. 'Clap' sella su firma en el disco con un solo de guitarra armónico y rítmico.
La mayoría de mortales como yo, no entienden las letras de Jon Anderson por lo complejas que son pero de igual manera presentan una esencia única. De alguna manera le crees, te sientes en paz.

Blur - The Great Escape

Nublada musical



The Universal

Every paper that you read
Says tomorrow's your lucky day
Well, here's your lucky day

Blur es una banda internacionalmente conocida pero siempre en base a una superficialidad increíble. Lo que se sabe generalmente es que Blur son autores de 'Song 2', que para los que menos conocen, es una canción que dura 2 minutos, que estuvo en el juego de la FIFA de Super Nintendo (SNES) y que repite un reconocidísimo "woo hoo!" a cada rato. Lo que realmente no se conoce de Blur es sencillamente todo lo demás, es decir, a Blur: un repertorio que incluye 7 discos de estudio y una carrera llena de conflictos y fama.
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En un panorama lleno de tabloides acerca del regreso de Mike Tyson, la creación de armas nucleares de Saddam Hussein, el asesinato de gente común y silvestre en Bosnia todos los días; el "Brit Pop" terminaría desatando la locura de aquella actualidad. Se desencadenaría así "la Guerra del Brit Pop" teniendo como contrincante a un igual de joven 'Oasis'. La batalla se centraría en llegar al puesto número 1 del chart británico, Blur con su single de 'The Great Escape', 'Country House' frente a 'Roll With It' del contrincante. Tal sería la publicidad del evento que los dos singles terminarían en primero y segundo lugar, tras una brutal masacre entre ambas bandas. Blur se proclamarían victoriosos en la famosa batalla de la mayor cantidad de ventas en el Reino Unido para ese entonces.

El concepto de este álbum radica primordialmente en la soledad siendo 10 de las 15 canciones las que hacen distintas referencias a estar solo. Un tema principalmente identificado en el propio Damon Albarn, vocalista y frontman del grupo, quien revelaría que la mayoría de las canciones del disco hablan de él. Inclusive hay una canción titulada "Dan Abnormal" como un anagrama de su nombre. Sin embargo, más tarde confesaría que a lo largo de su carrera habría hecho 2 discos malos, el primero (Leisure), por feo y 'The Great Escape', por problemático.

El videoclip de 'The Universal' hace un claro tributo a Stanley Kubrick siendo la portada del single una alusión a "2001: odisea al espacio" y un videoclip remarcado por la clara influencia de "La naranja mecánica" (A Clockwork Orange). En el videoclip apreciamos a los integrantes de Blur vestidos como "droogies", con Albarn como "Alex" por su pestaña derecha delineada. Quizás un peso extra significativo en una canción que trata de una droga capaz de proveer una felicidad artificial.
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Damon Albarn crearía después a 'Gorillaz', un grupo ficticio con influencias de varios artistas con un índole más electrónico y pegajoso.
Alex James, bajista de la banda, escribiría un libro autobiográfico llamado "Bit of a Blur", donde narra toda su experiencia con la banda.

Linkin Park - Hybrid Theory

Un debut paranoico



Papercut

So you know that when it's time to sink or swim
That the face inside is watching you too
Right inside your skin

En la misma época del paso al nuevo milenio y la solidificación de tanto boy-bands, nuevas chicas poperas inocentes y demás estupideces de la MTV surgió una banda novedosa y demasiado pegajosa en un estilo único. Con una mezcla de géneros tan distintos como el nu metal, el rock alternativo, el rap y hasta la electrónica, 'Linkin Park' supo darle una armonía musical a sus canciones con una paradójica paranoia. Junto a 'Limp Bizkit' creo que es una de las pocas bandas pioneras que pueden ingeniar la existencia de un integrante DJ en un grupo principalmente rockero. 'Linkin Park' se transformaría en un monstruo desorientado con más de 50 millones de copias vendidas en todo el mundo y ganadores de 2 grammys. De esta forma, los soldados híbridos que azotarían la nueva moda se iban enlistando para la guerra de la creatividad y la mezcla, creando sonidos inéditos.
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Este disco en particular marcó todo un récord. Es considerado uno de los álbums debut más increíbles y está dentro de los discos más vendidos de la historia con un total aproximado de 24 millones de copias. Sus singles son más que conocidos con canciones como 'One Step Closer', 'Crawling', 'Papercut' y 'In The End', canciones que hasta ahora suenan. Una de las cosas que creo que caracteriza a este grupo y específicamente a este disco son sus asociaciones con sus videoclips. Es imposible que uno no recuerde el videoclip de 'In The End'. Pero sin duda el más recordado para mí y el que más me gusta es 'Papercut'.

De chico recuerdo que me resultaba dificil verlo porque me creaba una sensación particular de ansiedad. Y es que en realidad está diseñado para que el espectador sienta irritación y hasta paranoia que es de lo que finalmente trata la canción. Uno ve a los integrantes en un cuarto rodeados por incidentes paranormales, desde la ambientación distorsionada (incluyendo un cuadro que el vocalista Mike Shinoda pintó el día anterior), un cuerpo que atraviesa el cuarto casi imperceptible en una parte del videoclip, una criatura asquerosa que se mueve rapídisimo que después suelta unas libélulas (en alusión al soldado de la portada), el guitarrista y el bajista tocando con acústicos y el baterista no tocando pero el único viéndolo todo. Una obra de arte que demuestra el poder de este grupo a mi parecer capaz de lograr no solo nuevos sonidos sino también nuevas emociones.
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Mike Shinoda también ganaría un MTV VMA con su proyecto personal 'Fort Minor', pero para mí sería recordado como uno de los sucesos más innecesarios de la música ya que se trataría del premio al "mejor ringtone". Por suerte después regresaría con 'Linkin Park' hasta la actualidad.

AFI - Shut Your Mouth And Open Your Eyes

Fuego adentro

A Single Second

I've never felt the nausea of longing to feel nothing,
I never wanted to cease to exist, just disappear.

Cuando uno está en la universidad muchas veces ya tiene una vida planeada en base a lo que uno está estudiando. Sin embargo, en dicho proceso hay algunos que tienen el coraje de empezar a desbandarse con algo tan arriesgado como la música, sobre todo cuando no sabes mucho de la industria o peor aún si no sabes tocar muy bien tu respectivo instrumento. Son éstos casos los que valen para fundamentar que lo único que necesitas para por lo menos comenzar algo o luchar por algo es voluntad, y muchos, pero muchos huevos. Así comenzó AFI (A Fire Inside), como un proyecto para tocar hardcore punk pero que terminó pasando de los garajes hacia la fama inclasificable. Davey Havok, vocalista y frontman de la banda, nunca terminaría la universidad, pero el jugoso fruto que gosaría después sería vasto para toda la vida.

AFI, sin embargo, siempre ha sido mal visto. Los más punk lo ven como algo no tan hardcore hoy en día para permanecer en su clasificación y los más poperos piensan que es música para emos. La verdad es que no es ni uno ni otro y siempre ha sido relegado por los que verdaderamente no conocen. Si bien AFI tuvo un comienzo hardcore punk, como en éste disco (aunque en menor medida comparado a sus raíces iniciales), se ha ido dilatando comercialmente bastante para permanecer a un mainstream con difusiones masivas en cadenas como MTV y Fuse con mayor poder desde 'Sing for the Sorrow' (discaso). Esta transacción de supuesta venta de honor siempre ha sido mal vista en cualquier grupo, aún así, la verdad es que AFI nunca perdió su estilo, más bien es un grupo que muta, pero siempre siendo ellos mismos, cagándose en todo lo demás. Al final hacen lo que quieren, basta ver el MTV Icon de The Cure, donde ellos cantan 'Just Like Heaven'. Lo más sorprendente es que les funciona.

Si bien tienen un ritmo cambiante siempre, aunque con variantes que no lo sacan de su género inclasificable, hasta su última creación, 'Crash Love' (donde Havok tiene una extraña nueva imagen "antipunk"), es digna de admiración. Simplemente se basan en riffs más elaborados y pegajosos, muchos menos gritos y un patrón más uniforme pero con una munición igual de brutal para desplomar a cualquiera.
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Éste disco específicamente fue el que me hizo creer en la banda. Antes era uno de los no creyentes en que un tío con semejante pelo pueda ser íntegro musicalmente hablando, pero la curiosidad es la que me llevó hacia el álbum, y este me llevó a toda su discografía. Hasta ahora, no hay arrepentimientos.

Iron Maiden - Powerslave

Un Eddie inmortal



2 Minutes To Midnight

As the madmen play on words and make us all dance to their song,
To the tune of starving millions to make a better kind of gun.

Iron Maiden es, en inglés, lo que se denomina a un instrumento de tortura medieval bastante peculiar. Se trata de una especie de cabina o sarcófago donde la víctima entra y nunca sale. Esto se debe claro a que cuando se cierra su puerta se convierte en tu tumba, no solo porque desde adentro no se pueda volver a abrir, no, sino porque en la puerta están impregnados distintas modalidades de dagas o púas que se clavan en ciertos puntos vitales de tu cuerpo (como Milo, el caballero dorado de Escorpio con las agujas escarlatas) al momento de cerrarse. Pero el pánico no acaba ahí, las dagas están situadas de tal manera que la incrustación no es letal, por lo que uno muere desangrado y, obviamente, con un interminable dolor extraordinario sumando la claustrofobia. Aquel artefacto fue lo que inspiró a un joven Steve Harris después de ver la película 'El Hombre de la Máscara de Hierro' para crear Iron Maiden y dejar literalmente sueños de futbolista y convertirlo en uno de los bajistas más emblemáticos de la historia del rock.
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Cuando uno habla de Maiden en realidad no tiene idea de lo que habla a menos que tenga un feedback de casi 40 años. Iron Maiden tienen un estandarte de culto en casi toda disciplina artística como la música, el cine (con su documental Flight 666) y hasta en el diseño gráfico con el reconocido Eddie (ícono de la banda). Nadie duda en invertir en ellos ya que poseen récords de venta en todo lugar que van incluyendo nuestro país. Tan solo con plantear la idea de que casi toda nación del planeta tiene sin duda un fanclub del grupo, además de un merchandising tan impresionante que todo metalero fiel mínimo posee un polo negro con alguno de los más de 50 Eddies, Maiden conforma lo que me gusta asociar como un hito en la historia de la música que solo algunos grupos contados con los dedos tienen el privilegio de tener. Con 14 discos de estudio y singles que hicieron historia como 'The Number Of The Beast', 'The Trooper' y 'Run To The Hills', entre una decena más tan igual de importantes; Maiden es sin duda un capítulo primordial en la historia del metal.

Este disco en particular es uno de mis preferidos porque me parece demasiado poderoso musical y culturalmente. Sus canciones narran los hechos bélicos que remecieron el mundo con 'Aces High', cuyo videoclip comienza con el speech de Winston Churchill para el "día D", y '2 Minutes to Midnight' donde se hace referencia al "reloj del juicio final" (Doomsday Clock) el cual en 1954 (guerra fría) estuvo a 2 minutos de la medianoche (lo máximo que se ha llegado hasta la fecha) donde se presupone que mientras más cerca de las 12 se esté más cerca está la humanidad de erradicarse.

The Offspring - Americana

Welcome to Americana



The Kids Aren't Alright

Now the neighborhood's cracked and torn
The kids are grown up but their lives are worn
How can one little street
Swallow so many lives

Cuando uno es chico muchas veces no entiende, ni le importa comprender lo que dicen las canciones, ni nada, simplemente le importa escuchar el disco, abrirlo, ver las imágenes, explorarlo y si le gusta pues lo repite 481956369 veces. Ese es mi caso con los discos de The Offspring. En éste particularmente, me llamaba la atención la portada, unos tentáculos que amenazan a un niño sentado en un columpio con un extraño bicho de mascota. Algo tan bizarro como eso solo se solucionaría en la contraportada, donde tan solo vez el columpio con la mascota encima, los tentáculos y sangre en el suelo. Sin duda un controvertido falto de sello de 'Parental Advisory'. Todo esto me pareció genial, me parecía extraño, pero me gustaba. Tan solo bastaba poner play para sentir los tentáculos... jalándote.

Básicamente mi hermana fue la autora intelectual de asesinar mis gustos ignorantes del panorama mainstream peruano que las radios mugían con canciones repetitivas o poperas al empezar a comprar discos de rock como éste. Aunque para ese entonces The Offspring y a su vez este disco tuvo canciones que remecieron las emisoras y las cadenas de televisión, las cuales ahora son tan populares que casi se teorizan como cliché. Canciones como 'Why Don't You Get A Job?' y 'Pretty Fly (For A White Guy)' se convirtieron en las populares de MTV, en su tiempo, con videoclips que todo el mundo recuerda y que seguramente ahora que leen esto piensan: ahhh eso era The Offspring. Pero si. El grupo no solo cuenta con un excelente repertorio y singles conocidos sino que también presentan discos íntegramente buenos, como este. The Offspring ofrece una mezcla de rock alternativo con punk, pero siempre con su toque único con sonidos tan comunes como una interlocución telemarquetera que te deja en espera entre canción y canción hasta los dos primeros segundos de la canción 'Rock of Ages' de Def Leppard que se escuchan en "Pretty Fly".

'Welcome to americana' es lo primero que se escucha tras ponerle play al disco. Esta misma introducción sería usada por Michael Moore en 'Bowling for Columbine'. Sin duda, conforma la satírica cultura americana de la realidad.

Rage Against The Machine - The Battle of Los Angeles

La protesta personificada



Testify

Who controls the present now controls the past
Who controls the past now controls the future
Who controls the present now?

En los 90's, Rage Against The Machine (RATM) emergió como una de las bandas más influyentes musical y politicamente del pueblo estadounidense y del mundo. Basados en una mezcla de géneros espectacular y única con descargas de rock alternativo, punk, heavy metal y funk, todo eso agitado, claro, con el hip hop de Zack de la Rocha.
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'The Battle of Los Angeles' se ganaría el derecho de piso en figurar como #1 en los puestos, sobre todo en el Billboard (pateándole la tráquea al anticipado álbum de Mariah Carey) y se santificaría como el mejor álbum del grupo para la mayoría, incluso para las revistas Time y Rolling Stone, las cuales lo nombraron el disco del año (1999). Su nombre viene de la llamada "battle of Los Angeles" (batalla de Los Angeles) donde un supuesto ataque de objetos no identificados (ovnis) se sitúa en dicha ciudad. Para muchos fue una táctica de guerra psicológica por parte de los japoneses ya que Estados Unidos acababa de entrar a la 2da Guerra Mundial hacía tres meses. Dicho acontecimiento permanecerá en la historia como un misterio.

Las canciones del álbum son tan conocidas que nuevamente la asociación con un videojuego es básica siendo 'Guerrilla Radio', canción que hizo que ganaran un Grammy, la canción del intro de 'Tony Hawk's Pro Skater 2'. Inclusive esa canción junto a 'Testify' aparecen en Rock Band 2. Para esto, esta última canción junto a 'Sleep Now in the Fire' tendrían videos buenísimos dirigidos por el mismísimo Michael Moore. Esto último no se trataría de una sorpresa si es que se tiene n en cuenta el tipo de documentales de Moore, sobre todo en la película 'Fahrenheit 9/11' donde justamente se muestra la prostitución política del gobierno de Bush, algo por lo que RATM luchaba día a día con sus canciones.
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La historia que sigue es la que todos saben. RATM se separarían a causa de la salida de De la Rocha por motivos de objetivos políticos relacionados con el grupo y su trasfondo como banda. Los demás, Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk, crearían uno de los más aclamados supergrupos de los últimos tiempos junto a Chris Cornell de 'Soundgarden', creando al majestuoso 'Audioslave'. Sin embargo, en el 2008 fueron llamados a la lucha nuevamente tras un magnífico concierto de reunión.
Todo el poder del rock sumado con la lírica rapera, que sería el ingrediente principal, nos genera un resultado característico de RATM: el grito del pueblo, la demanda, el reclamo... la protesta.

Rush - Moving Pictures

Instrumentos imaginarios



Limelight

All the world's indeed a stage
And we are merely players

Este disco entra en la clase de álbums clásicos, donde no solo no te cansas de escucharlos sino que su imitación, como en mi caso hasta en mi batería imaginaria, es imposible de replicar. Es que Rush se trata de eso: 3 tíos que rompen culos con sus respectivos instrumentos (o múltiples instrumentos a la vez), lo saben y te lo demuestran. Moving Pictures se consagraría como el álbum más conocido de la banda y el que ha tenido más éxito, tanto uno de dos discos de Rush (el otro es '2112') que conforma la gloriosa lista de los "1001 discos que tienes que escuchar antes de morir". Aun así tenga canciones dispuestas a acurrucarse y diseminarse en la radio, como es el caso del ultrahit 'Tom Sawyer' (donde Geddy Lee no solo toca bajo y canta sino que toca también sintetizadores con las manos y pies) y los singles 'Limelight' y 'Red Barchetta', no dejan de perder su estilo, técnica y feeling único y sin precedentes del género que hasta hoy siguen marcando. Inclusive, el disco tiene una canción que dura más de 10 minutos, cosa que en el idioma Rush (y de los grupos progresivos en general) es normal tener hasta incluso de más de 20 minutos (con canciones segmentadas en partes con títulos distintos) en las épocas doradas. 'The Camera Eye', se proclamaría como su última canción de tremenda longitud. Neil Peart (batería y compositor genio) narra en 'Limelight' la insatisfacción de cómo la fama a irrumpido en su vida personal. La famosa línea en dicha canción, "all the world's indeed a stage, and we are merely players", hace alusión a su disco 'All the World's a Stage' y a la famosa línea de Shakespeare.
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Han influenciado a grupos desde Smashing Pumpkins, Primus y Metallica -donde James Hetfield admite haber utilizado un riff de 'Tom Sawyer' para 'Welcome Home (Sanitarium)' algo que para mí es espectacular porque lo acabo de comprobar (pensaba que eran ese tipo de estupideces que ponen en wikipedia)- hasta obviamente los más progresivos como Dream Theater y Symphony X.

Rush tiene en su poder una inmensa e increíble discografía que no deja de sorprender hasta a los más escépticos. Desde 1974 con su primer disco homónimo hasta 'Snakes & Arrows', del 2007, siguen de tour en tour y están en pleno proceso de nuevo disco. Es un grupo que ha demostrado ser auténtico a lo largo del tiempo y no se ha dejado influenciar por la comercialidad. Sus discos de por sí se venden solos.

Megadeth - Rust In Peace

De aniversario



Holy Wars... The Punishment Due

Ask the sheep, for their beliefs
Do you kill on God's command?

El domingo 2 de Mayo fui a uno de los conciertos que más he gozado en mi vida. Megadeth volvía a Lima para tocar por segunda vez. Pero esta ocasión no se trataría de cualquier concierto, se trataba del tour del aniversario de su más grandioso álbum, Rust In Peace. Asimismo se contaba con el regreso a la banda del bajista con el que empezó la historia de Megadeth, David Ellefson. Nunca había visto tanta energía por parte del público (Metallica sería una poderosa excepción), todos cantaban, coreaban y pogueaban de manera progresiva. A mí me cayó un hombrazo en la nariz y un cabezaso en la oreja, pero la verdad es que no sentía. Fui una de las víctimas de la ametralladora Megadeth cuyos plomazos quedarán impregnados para siempre en la mente de los que sintieron la descarga... simplemente increíble.
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Dave Mustaine sería el autor intelectual del crimen de tratar de superar a Metallica. Para muchos, la comparación es totalmente válida e inclusive hay quienes manifiestan que superan al grupo que alguna vez conformó. El delito sería pretendido tras la dura despedida que sostuvo con Metallica. Antes de esto se habría peleado físicamente con James Hetfield por patear a su perro, así como al ese entonces bajista, Ron McGovney, quien además lo electrocutaría tras vertir cerveza en su bajo. Si algo se puede deducir es que Mustaine estaba "locaso". Si de por sí, en las épocas doradas de Metallica se hacían reconocer por 'Alcohollica' por obvias razones, Mustaine se consagraría como el más malogrado de todos y más peligroso también. Su creciente alcoholismo y adicción a las drogas conllevarían en él una forma de vida inigualable, ni siquiera por los de Metallica, algo que no podrían tolerar más. La banda cargó a Mustaine (supuestamente inconsciente en el viaje) y su equipaje y lo dejaron en una parada de bus con un pasaje con destino a Los Angeles. Según él, lo dejaron sin advertencia alguna ni mucho menos segundas oportunidades.

Su misión con Megadeth, después de varios buenos discos (incluyendo el 'Peace Sells... but Who's Buying?'), se consagraría con Rust In Peace. Esta historia podría comenzar en 1989, en el lapso de búsqueda de nuevo guitarrista después del despido a varios miembros de la banda por parte del líder, donde Mustaine es arrestado por manejar intoxicado y poseer narcóticos tras chocar a un carro policía estacionado. Esto lo obligaría a entrar en rehabilitación. Más tarde y en sobriedad total y radical Mustaine le propone al legendario guitarrista Dimebag Darrell, de Pantera, para conformar la banda. Esto no se concreta porque la única manera de que hubiese salido de Pantera tendría que haber sido con su hermano y baterista de dicho grupo, Vinnie Paul. Por otro lado, en ese entonces un ya veterano, Marty Friedman, quien recién había terminado su primer disco solista, 'Dragon's Kiss', después de tocar con Jason Becker en Cacophony, terminaría audicionando por el puesto. Después de ser rechazado en un primer instante por Mustaine por su pelo multicolor, terminaría ganándose la labor. Dicha labor sería ejecutada por 10 años, en su estancia, Megadeth lograría 10 millones de discos vendidos, después de 5 álbums. El legado de Megadeth se habría expandido hasta llegar a cambiar la historia del Metal, convirtiéndose en uno de los 4 grandes (Metallica, Anthrax, Slayer y Megadeth). Mustaine, lo habría logrado.

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El productor del disco, Mike Clink, sería el primero en la historia de Megadeth en no ser despedido antes de terminar el disco.

The Punishment Due de la canción 'Holy Wars... The Punishment Due' hace alusión a The Punisher, de los comics de Marvel, personaje al cual Mustaine habría sido admirador en su época.

Alice In Chains - Facelift

Alicia en... cadenas?



Man In The Box

I'm the man in the box
Buried in my shit

Won't you come and save me?

Jerry Cantrell escribe, supuestamente, de camino al ensayo 'We Die Young' después de ver a alrededor de 10 niños con beepers vendiendo drogas. Dicha canción se convertiría en el single de su EP promocional homónimo, y un tremendo hit en las radios metaleras. Su relativa fama del primer roze con el mainstream se multiplicaría con 'Facelift', su álbum debut. Es curioso cómo todo empieza a raíz de una visión prematura de las drogas y acabaría con la peor dosis suministrada por el vocalista Layne Staley.

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Alice In Chains se iba ganando el respeto de todos al telonear a Iggy Pop, Van Halen y hasta abrir el mítico tour 'Clash of the Titans' donde participaban bandas como Megadeth, Slayer y Anthrax exponiéndolos a un público metal mucho mayor. Sin embargo, la banda quedaba estancada en muchas ocasiones al cancelar tours que promocionaban discos siguientes debido a la fatídica condición de Staley con su adicción a las drogas. Al ver la caótica situación de Layne, el grupo decide darse un respiro. Un mes después a la muerte de Kurt Cobain, el cantante haría una sorpresiva aparición junto a 'Tool' donde saldría con una máscara de ski para encubrir su fatal estado. Tan mal se veía que hasta emergieron especulaciones que tenía gangrena. Alice in Chains se juntarían de nuevo para realizar un disco con el mismo nombre, conocido como "Tripod" por el famoso perro de tres patas de portada. Las tensiones seguirían con el Unplugged donde se ve a un Layne débil, pero todo colapsaría al morir su ex por complicaciones después de haber usado drogas. Según Layne, en una entrevista con la Rolling Stone, las drogas le sirvieron por años, pero ahora se habían puesto en contra suyo forzándolo a caminar por el infierno.

El camino que le seguiría a Layne entre 1999 y 2002 sería de aislamiento y autodestrucción. Ni siquiera Catrell, quien fue a buscarlo muchas veces, pudo obtener alguna especie de contacto con él en aquellos últimos años. En su última entrevista que tuvo (2002) manifestaría que sabía que se iba a morir pronto. El 19 de Abril del 2002, se registró una llamada al 911 de su madre diciendo que no sabía de su hijo hacía semanas. Staley sería encontrado muerto en su casa por su madre junto a la policía. En el reporte de la autopsia se revelaría que su muerte abría sido causada tras injectarse heroína y cocaína a la misma vez a lo que se refiere como "speedball".

La banda se reuniría para dar un concierto en víctimas del tsunami del 2004 con diversos vocalistas tales como, Phil Anselmo de 'Pantera', Wes Scantlin de 'Puddle of Mudd', Maynard James Keenan de 'Tool' y hasta Ann Wilson de 'Heart'. Después se juntarían formalmente en 2006 para que en el 2009 proclamen su nuevo álbum llamado 'Black Gives Way Too Blue' en alusión a Staley.

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Muchas otras bandas le rindieron tributo a Staley como Staind y Eddie Vedder. También se dice que fue inspiración para el título del álbum 'Death Magnetic' de Metallica al llevar Kirk Hammet una foto suya al estudio.

Músicos como el primer guitarrista de Red Hot Chili Peppers, Hillel Slovak y Kevin DuBrow de Quiet Riot, entre otros, también murierion por la letal dosis llamada "speedball".

Staind - Break The Cycle

Otro sobreviviente de la ausencia



Fade

I could let some of this anger fade
But it seems the surface
I am scratching
Is the bed that I have made

Staind ha sido un grupo muy subestimado al ser recordado solo por singles efímeros en MTV. La única oportunidad que tuvo para lanzarse al mainstream fue su mejor álbum hasta el momento: 'Break The Cycle' y, personalmente, mi favorito. Con ventas de aproximadamente 4 millones hasta hace unos años, su álbum más exitoso fue ventana al mundo para mostrarse como eran en la realidad, sin caretas.

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Energía y gritos descomunales como en 'Pressure', 'Suffer' y 'Can´t Believe' comparten un poco el género del nu metal, sin embargo hay quienes lo orientan más al rock alternativo y hasta al grunge (aunque creo que eso si sería exagerado). Sin embargo, su canción más conocida del disco y de su historia es más melódica, 'It's Been Awhile' revela el oscuro retrato del vocalista Aaron Lewis. Él relata su anterior adicción a las drogas y el problema vinculado a distintas relaciones fallidas. Lo que más recuerdo del videoclip es a Aaron, viendo las fotos de su pasado y fumando el cigarro que eventualmente quemaría el cuarto, dando a entender que esa faceta de su vida la pudo sobrellevar y quemar. El video fue dirigido por Fred Durst con quien llevaría una relación musical muy amistosa. Con él, Aaron tocaría en múltiples presentaciones (juntos casi siempre en acústicos) incluyendo al recordado MTV Icon de Metallica, donde Limp Bizkit haría la magnífica versión de 'Sanitarium' y Staind tocaría el acústico de 'Nothing Else Matters'. Inclusive aparecería en el disco 'Significant Other' de Limp Bizkit interpretando 'No Sex' en vocales de fondo. Lo mismo haría Fred Durst al ser invitado a colaborar con la canción 'Outside' de Staind en el Family Values Tour de 1999 cuando la canción sería interpretada oficialmente por primera vez.

Su padre tendría un fundamental papel en su vida, y en sus canciones (incluyendo la antes señalada), pues su ausencia sería causante de muchos de sus problemas. Esto lo podemos ver de mejor manera en otro single del álbum, 'Fade', donde narra claramente la falta de apoyo de su padre quien estuvo ausente en los momentos donde más lo necesitaba creándole represión y sufrimiento.

Red Hot Chili Peppers - Californication

Pimiento Rojo y Caliente



Otherside

Once you've know you can never go back
I've got to take it on the otherside

El éxito era total en la era 'Blood Sugar Sex Magic'. Superaron los 15 millones en ventas y se convertían en los favoritos de MTV con temas que marcaron hito como 'Under The Bridge'. Sin embargo, John Frusciante (guitarrista) se iría sorpresivamente de la banda en 1992 en plena gira del majestuoso álbum. La banda decidió reclutar desde 'Jane's Addiction' a Dave Navarro y con él crearon 'One Hot Minute'. El álbum tuvo éxito (relativo comparado al BSSM) pero generó críticas por haber incursiónado un poco en el rock psicodélico y cosas más heavy, claramente no siendo el estilo de los redhot. Después de un problema interno, Navarro se despide de todos, dejándolos sin nadie en mente más que el vertice y motor inicial. Es así que Flea decide visitar a Frusciante y pedirle que regrese. Éste aceptó inmediatamente haciendo uno de los mejores comeback's que hayan podido existir. En ausencia del grupo, Frusciante vivía en la pobreza y la adicción a la cocaína y heroína, tanto que necesito operaciones urgentes por heridas en los brazos, reconstrucción de nariz y hasta dientes nuevos por lo carcomidos que estaban. En muchas situaciones, él declara que estuvo al borde de la muerte, incluyendo un incendio en su casa que quemó todas sus guitarras. Ahora todo sería distinto.

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Con el glorioso regreso físico y mental del guitarrista por excelencia cumplieron y sobrepasaron todas las expectativas. 'Californication' se convertiría en su mejor disco hasta el momento y el más conocido. Rompió todo récord, incluyendo ventas de más de 15 millones, un grammy, y todo reconocimiento posible de mejores discos de la historia ya sea en los 500 mejores discos de la Rolling Stone, los 1001 discos que tienes que escuchar antes de morir y decenas de listas más, y con buen puesto. Con canciones increíbles y ultraconocidas como 'Californication', 'Otherside', 'Road Trippin', 'Scar Tissue', 'Parallel Universe' (una vez más, canción conocida por el menú de winning) y 'Around the World' éste disco es capaz de llevarte a otra dimensión y regresar con tu vida ya refleccionada y solucionada.

Otro punto por recalcar es que los RHCP siempre han tenido videos tan creativos que marcaron sin duda la época dorada de MTV de los 90's, sobre todo con este disco en particular. Aquí les dejo el mejor video de los RHCP, directo del mundo surreal.

Green Day - Dookie

Otras épocas



Basket Case

I think I'm cracking up!
Am I just paranoid? Am I just stoned?

Si, quizás lo estás pensando y si no lo estás, realmente tienes problemas mentales. ¿Por qué escribir sobre probablemente el grupo más monótono y comercial que existe hoy en día? Así es, Green Day se ha ganado el odio de más de uno (incluyéndome) desde su asquerosa entrega a la venta despiadada con canciones repetitivas y asquerosamente pegajosa como en 'American Idiot'. Lamentablemente en la transacción (a cambio de su respeto) se ganaron a todo el público pop, unas 845712962 quinceañeras aproximadamente y hasta emos, pero los wachafos. Ahora, canciones como '21 Guns' tan deshonestas y repugnantes ganan como 3 moonmans, en un MTV ya degenerado por la moda decadente pop, al hilo cada año.

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Desde 'Kerplunk' (segundo disco) se venían ganando el respeto en el punk y el rock alternativo, aunque muchos críticos decían que se trataba de una banda que eventualmente quedaría en el olvido y desaparecería. Sin embargo, literalmente les metieron a todos un tacle en la cara al sacar su más glorioso álbum: 'Dookie'. Éste disco marcaría un antes y un después en el grupo ya que terminaría vendiendo más de 20 millones de copias en todo el mundo poniéndose en el ojo de todos y obviamente en el mainstream comercial. Tanto fue el éxito que hasta ganaron un Grammy por mejor música alternativa (bien merecido).

El álbum es tan bueno que lo puedes escuchar de manera ilimitada y nunca te cansas. Ninguna canción es mala ni pecho fría y se rescata su cantidad de canciones conocidas por todos y algunos que ni saben que es Green Day. El título se debe a lo que ellos se referían como liquid dookie para referirse a la diarrea que generaban en sus giras después de comer pura basura. En la portada aparece un poco de la historia del grupo junto a personajes como la mujer del primer álbum de Black Sabbath y Angus Young. Sin duda marcaron historia, aunque ahora los odie, este disco es testigo que Green Day alguna vez fue algo grande y simbólico y no como ahora que quizás es algo grande, pero que no representa ni mierda.

Temple of the Dog - Temple of the Dog

Pasado superunknown



Hunger Strike

The blood is on the table
And their mouths are choking
But I'm growing hungry

Mucho antes de que Chris Cornell empezara a cantar con Timbaland y se convierta en un pecho frío de música comercial, antes también de que exista 'Audioslave', incluso anterior al discaso 'Superunknown' que sacó 'Soundgarden', y que Eddie Vedder sea frontman de 'Pearl Jam'; existió un grupo llamado 'Temple of the Dog'.

La historia comienza cuando Andrew Wood, vocalista de 'Mother Love Bone', muere por sobredosis de heroína poco antes del lanzamiento del álbum debut 'Apple'. Es en ese momento que su roomate, Chris Cornell, al regresar de gira y encontrarlo muerto, decide rendirle un tributo. Y qué mejor manera que reclutando a Stone Gossard y Jeff Ament (ambos actuales miembros de Pearl Jam) miembros del grupo que Wood dejó varado.

Eddie Vedder, paralelamente, había dejado 'Bad Radio' y se encontraba trabajando en una estación gasolinera. Entonces, por cosas del destino su amigo Jack Irons (en ese tiempo baterista de Red Hot Chili Peppers y posteriormente de Pearl Jam) le muestra un demo de un grupo de Seattle que buscaba un cantante. Lo escuchó y se fue a surfear, consiguiendo inspiración divina para futuras canciones. Creó y grabó 3 demos que enviaría de vuelta a Seattle. Esas canciones posteriormente se convertirían en 'Alive', 'Once' y 'Footsteps' de Pearl Jam.

Resulta que aquella banda de Seattle era el projecto Temple of the Dog. Lo que sigue es historia: Eddie Vedder (en ese entonces desconocido) cantando a dupla con Chris Cornell 'Hunger Strike' se lanzaría a la fama junto a todos los miembros de Temple of the Dog. Después se daría un constante batishake de miembros creando Pearl Jam y lo que fue la época dorada de Soundgarden.

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Alice in Chains también le dedicaría una canción al difunto Andrew Wood, nada menos que 'Would?', uno de sus más grandes éxitos.

Faith No More - King For A Day, Fool For A Lifetime

La genialidad de la locura




Ricochet

It's always funny until someone gets hurt...
And then it's just hilarious!

No conocía sus canciones ni sabía quienes eran, pero veía carteles de ellos en todo Lima. Fue recién unos días antes del concierto que me dió la curiosidad de escucharlos por la supuesta baja venta de entradas. Entonces me bajé 4 discos seguidos y, sobre todo, en el 'King For A Day...' lo que escuche fue una incongruencia mezclada con genialidad, una obra de arte en su totalidad. Y me dí cuenta que había escuchado un par de canciones de ellos en alguna otra parte y me habían parecido buenísimas (como 'Digging the Grave' en el menú de wining eleven) , solo que sin saber que serían obra del loco de Mike Patton. Cuando me dí cuenta de lo que perdería, ya era demasiado tarde. Las pruebas de sonido se escuchaban hasta la universidad. Tanta fue la ansiedad que caminé hasta el Jockey Club solo para escucharla más de cerca. Sin duda, algo de lo que me arrepentiré toda la vida, el no ser uno de los cuantos miles de personas que perdieron la razón en ese magnífico concierto. Para muchos (o pocos que fueron), fue el mejor de su vida. Lamentable.

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Paran sumergidos en un género todavía no definido influenciado por vertientes como el jazz, show music, death metal, punk rock, reggae, y todo lo que se les dé la gana. Lo más aproximado que los caracteriza es un nuevo género, que posiblemente ellos mismos crearon, el nu metal, con una dosis de pasión a chorros por Black Sabbath (tanto que el baterista, Mike Bordin, toca actualmente con Ozzy), Black Flag, Louis Armstrong, Jimi Hendrix, Muddy Waters, entre otros.

Enemigos públicos del estereotipo y ser músicos insanos que se cagan en todo demuestra por qué la gente los valora. Un álbum polémico (especulaban que 'Star A.D.' hablaba de Kurt Cobain), agresivo, subestimado (Rolling Stones le dió 2 estrellas sobre 5), pero de culto.

Hole - Live Through This

Agujero negro predestinado



Violet

I told you from the start just how this would end
When I get what I want I never want it again

Grabado antes de la tragedia pero publicado después, la esposa de Kurt Cobain, Courtney Love, junto a su grupo Hole presentan un trabajo único y sincero. Comparado al exterior catastrófico que escenificaba Courtney junto a Cobain, con los tabloides infectados por: sus cada vez más elevada adicción a la heroína, el futuro de la pareja y la futura cría que tendrían, sin mencionar otras razones apocalípticas.

Este disco sería entonces un grito a la libertad contra la hipocresía, contra todo y todos, con el único desafío de sobrevivir. Todo empieza a cuadrar cuando te enteras que, tuvo una infancia con una parada en el reformatorio, perdió su virginidad escuchando Joy Division (sí, que tal karma), trabajaba en locales de strippers para financiar sus vicios, tenía evidentes excesos con las drogas y el alcohol y la bajista de Hole, Kristen Pfaff, muere por sobredosis. Courtney Love tuvo un destino fortuito donde ni el exceso ni la muerte la pudieron derrotar.